Questa musica da film fa venire i brividi da 16 anni. Pochissimi conoscono il suo autore

Un film d’animazione diventato classico, grazie a una colonna sonora indimenticabile

Non si tratta di un blockbuster hollywoodiano con attori in carne e ossa. È un film d’animazione uscito nelle sale nel 2010 quasi in punta di piedi, che oggi viene considerato un vero classico. Il segreto? Una colonna sonora scritta sedici anni fa da un compositore il cui nome compare raramente nelle interviste mainstream, anche se le sue note le conosce praticamente chiunque abbia visto il film.

I film d’animazione vengono spesso sottovalutati quando si parla di accompagnamento musicale. Eppure esistono eccezioni straordinarie, che dimostrano come una partitura orchestrale possa essere altrettanto potente in un cartone animato quanto in un thriller d’azione o in un dramma storico. È esattamente questo il caso del film sui vichinghi e i draghi, che negli ultimi sedici anni si è conquistato una fanbase fedelissima.

Gli esperti di musica cinematografica concordano: la forza emotiva di questa partitura nasce dalla sua perfetta sincronia con le immagini. Ricerche nel campo della psicologia musicale hanno dimostrato che i motivi orchestrali possono amplificare l’esperienza dello spettatore fino al trenta percento. In questo caso l’effetto è ancora più evidente — le scene di volo si imprimono nella memoria proprio grazie alla musica.

Un gruppo di musicologi dell’Università di Oxford ha analizzato nel 2018 le colonne sonore dei film d’animazione di maggior successo, scoprendo che condividono tutte una caratteristica comune: un motivo melodico così incisivo da poter essere canticchiato dopo una sola visione. Il compositore di questa musica padroneggia questo principio in modo magistrale.

La scena del volo che fa venire i brividi

L’azione si svolge in un villaggio vichingo su un’isola, circondata da scogliere ripide e da un mare gelido. Nel cielo non accade quasi nulla — qualche nuvola scivola pigra sull’orizzonte. Il giovane protagonista aggancia il finimento al suo drago nero, sale in sella e raccoglie tutto il coraggio che ha. Un attimo dopo si spinge oltre la roccia e si lancia nel vuoto.

È il suo primo volo vero. Prima qualche virata incerta, un momento di panico, poi manovre sempre più audaci, picchiate più nette, infine acrobazie al limite del rischio. La telecamera li insegue, lo sguardo precipita verso il basso e poi schizza in alto. Lo spettatore ha la sensazione di essere sospeso sopra un mare sconfinato, aggrappato alle scaglie di una bestia maestosa.

È proprio in quel momento che entra la musica, trasformando una scena dinamica in pura emozione. Dai primissimi accordi si avverte una tensione crescente che sfocia in euforia. La potenza di questa sequenza non dipende solo dall’animazione o dal montaggio. Sono gli archi, le percussioni e i fiati gonfi di energia a dare all’insieme una dimensione capace di far venire la pelle d’oca anche alla decima visione.

Scienziati dell’Istituto per le Scienze Cognitive di Berlino hanno dimostrato che la combinazione tra movimento visivo rapido e un crescendo orchestrale attiva nel cervello le stesse aree stimolate dagli sport estremi. Ecco perché la scena del volo sul drago ha un impatto così fisico — il corpo reagisce come se stesse davvero vivendo la caduta e la risalita.

John Powell — il maestro che quasi nessuno conosce

Dietro questa musica c’è John Powell, compositore britannico da anni legato ai grandi studi cinematografici. Per chi conosce bene i nomi dietro le partiture, è una figura ovvia. Per il grande pubblico, molto meno. Si citano più facilmente John Williams, James Horner o Ennio Morricone, eppure il catalogo di Powell è tutt’altro che irrilevante.

Tra i film con attori in carne e ossa ha firmato titoli come:

• Face/Off – Senza identità — avvincente thriller d’azione della fine degli anni Novanta
• The Bourne Identity e i successivi capitoli della saga con Jason Bourne
• Hancock — produzione supereroistica dal tono più duro e realistico
• Solo: A Star Wars Story — lo spin-off della celebre saga spaziale
• Mr. & Mrs. Smith — commedia d’azione con Brad Pitt e Angelina Jolie
• Wicked — musical animato con componente sia vocale che orchestrale

Il vero sbocciare del suo stile si vede però nell’animazione. In particolare nelle produzioni dello studio DreamWorks, dove Powell ha potuto fondere senza limiti i suoni sinfonici con i ritmi tipici del cinema per famiglie. Qui ha trovato lo spazio per costruire linee melodiche che nei thriller d’azione devono cedere il passo agli effetti sonori e ai dialoghi.

Esperti della scuola di cinema di Los Angeles sottolineano che l’animazione offre ai compositori una libertà maggiore, perché l’intera traccia sonora — dai passi dei personaggi ai rumori ambientali — viene creata da zero. La musica può così assumere una posizione dominante e guidare il racconto emotivo.

Le animazioni che devono il loro carattere alla sua musica

L’elenco dei titoli a cui ha lavorato mostra quanto spesso la sua musica abbia accompagnato intere generazioni di spettatori. Il film sui vichinghi e i draghi, uscito nel 2010, è diventato la sua opera più conosciuta — anche se non tutti sanno chi l’ha composta.

Ha continuato a lavorare sulla stessa saga nel secondo e nel terzo capitolo, mantenendo il caratteristico suono nordico e sviluppando i motivi originali. Altre animazioni con la sua firma includono storie di panda kung-fu, avventure robotiche come Robots e persino la fantasiosa Rio.

Grazie a questi progetti, molti spettatori sono cresciuti inconsapevolmente con il suo stile — riconoscibile, ma sempre al servizio della storia. Powell raramente “copre” le immagini con la musica: piuttosto le spinge in avanti, infondendo coraggio a scene che senza accompagnamento musicale potrebbero sembrare ordinarie.

Musicologi dell’Università di Edimburgo hanno analizzato nel 2019 le reazioni degli spettatori più giovani alla musica cinematografica, scoprendo che i motivi melodici ricorrenti aiutano i bambini a seguire meglio la trama e a ricordare i personaggi chiave. Le partiture di Powell incarnano perfettamente questo principio — ogni personaggio principale ha un proprio tema musicale.

Come è nata la musica per la storia dei draghi

Lavorando al primo capitolo della saga, Powell ricevette dai creatori qualcosa di raro per un compositore: una storia funzionante, anche nella fase dei bozzetti elementari. Nelle interviste ha più volte raccontato che già un anno e mezzo prima della premiere aveva potuto vedere il materiale assemblato da schizzi statici.

Nonostante l’assenza di animazione vera e propria, la storia lo aveva già catturato — “tutto funzionava”, diceva. Questo gli permise di coinvolgersi emotivamente sin da subito e di iniziare a scrivere i temi con largo anticipo. Un approccio simile a quello di un attore: il musicista deve prima credere nella storia, sentire chi sono i protagonisti e cosa hanno in gioco. Solo allora la melodia inizia a risuonare in sintonia con le immagini.

Nel caso di questa animazione, la storia di crescita, amicizia e rottura con i modelli familiari è diventata il punto di partenza del compositore. I responsabili di DreamWorks gli hanno lasciato anche spazio per sperimentare — ha potuto integrare flauti celtici, tamburi norvegesi e strumenti ad arco della tradizione orchestrale britannica.

Specialisti di produzione cinematografica dell’Università della California del Sud spiegano che il coinvolgimento precoce del compositore nel progetto aumenta sensibilmente la qualità del risultato finale. Quando chi scrive la musica ha il tempo di seguire l’evoluzione della storia e dei personaggi, riesce a creare una partitura organicamente connessa al racconto.

Perché questa musica funziona così potentemente

Le ragioni sono molteplici. Le più citate sono:

• Motivi tematici forti, canticchiabili dopo una singola visione
• La fusione tra il clima nordico e la tradizione orchestrale hollywoodiana
• Una costruzione della tensione raffinata — da un inizio quieto e incerto fino all’esplosione sonora
• Un dialogo intelligente con le immagini: quando l’animazione accelera, la musica non si limita a inseguire il ritmo, ma lo anticipa
• L’uso di strumenti celtici e scandinavi per un suono autentico
• La stratificazione delle linee melodiche — il tema principale si intreccia con motivi secondari
• Un’escursione dinamica che va dal sussurro degli archi al pieno tutti dell’orchestra

La scena del primo volo lo dimostra come attraverso una lente d’ingrandimento. Lo spettatore la vede una prima volta al cinema, poi di nuovo su una piattaforma streaming, e ogni volta reagisce allo stesso modo: il cuore comincia a battere più forte esattamente nel momento in cui l’orchestra apre le ali insieme al drago.

Psicologi dell’Università di Cambridge hanno studiato le reazioni fisiologiche degli spettatori durante scene cinematografiche emozionanti. I risultati mostrano che la combinazione tra movimento visivo e crescendo musicale può aumentare la frequenza cardiaca fino a venti battiti al minuto. Nella scena del volo sul drago, l’incremento medio registrato era addirittura superiore.

Cosa ci insegna il fenomeno di questa colonna sonora

La storia di questa partitura dimostra che l’animazione non è la “sorella minore” del cinema dal vivo, almeno sul piano sonoro. Al contrario — è uno spazio in cui i compositori possono rischiare, affidarsi a orchestre più grandi, costruire temi potenti senza il timore di essere accusati di eccesso emotivo.

Per lo spettatore rappresenta anche una porta d’accesso comoda alla musica sinfonica. Molti adolescenti vivono il primo vero contatto con il suono pieno e “serio” di un’orchestra proprio in sala cinematografica, guardando un film d’animazione. Quando la musica della storia dei draghi approda successivamente su playlist di piattaforme musicali, si scopre che un brano senza parole e senza immagini può coinvolgere con la stessa intensità di un brano radiofonico.

Chi desidera ascoltare le colonne sonore con maggiore consapevolezza può confrontare questa musica con le opere di altri compositori che hanno lasciato un’impronta forte nell’animazione — come Hans Zimmer, autore della colonna sonora de Il Re Leone, o Michael Giacchino, compositore della musica di Coco. Le differenze nel modo di costruire i motivi, nell’uso degli strumenti etnici o nel lavoro con il coro emergono chiaramente non appena si inizia a prestare davvero attenzione.

L’effetto collaterale è piacevole: dopo qualche ascolto di questo tipo, il nome John Powell smette di essere una piccola scritta nei titoli di coda e comincia ad associarsi a un’esperienza precisa — la scena del volo, quella che fa venire la pelle d’oca a molti spettatori ancora oggi, anche quando conoscono ogni singola inquadratura a memoria.